在5月23日国家大剧院音乐厅，中国交响乐团常任指挥景焕执棒中国交响乐团，联袂法国竖琴家萨维尔·德·梅斯特，上演了美国作曲家格什温三个创作阶段的代表作与阿根廷作曲家希纳斯特拉《竖琴协奏曲》。若我们将格什温简单归类为“美国风格作曲家”，实则掩盖了他复杂的文化身份。这位第二代犹太移民虽被后世视为美国音乐代表，但在20世纪初还是音乐界的“边缘人”。他将黑人爵士、犹太旋律、百老汇元素与欧洲古典作曲技法熔炼成全新的“美国之声”。他的音乐既是美国本土声音的现代诠释，也是世界语言的普世表达。

音乐会以《疯狂的女孩》序曲启幕，指挥家景焕对跨文化作品的驾驭游刃有余。深耕美洲音乐的她，始终以“乐谱考古学”般的严谨态度解构作品，她对细节的把控，令每个速度转换精准契合不同乐段的风格特质。小号的独奏段落令人动容，乐团在戏剧性张力中保持松弛的呼吸感，演绎出严谨与即兴并存的生命力。

本场音乐会的核心亮点无疑是阿尔贝托·希纳斯特拉的《竖琴协奏曲》，担任独奏的法国竖琴演奏家萨维尔·德·梅斯特与国交渊源深厚：2018年他曾与国交合作格里埃尔《降E大调竖琴协奏曲》，近期更与乐团荣誉艺术指导谭盾在西雅图完成《女书》演出，探索东方音色美学。

作为首位进入维也纳爱乐乐团的法国音乐家，梅斯特以精准节奏控制与谦逊的协作意识，展现了独奏家与乐团深度对话的典范。第一乐章中，竖琴家梅斯特的演奏兼具精确性与诗意——琶音织体与管乐声部的呼应严丝合缝。乐章尾声泛音拨奏为长号声部留出呼吸空间，弦乐声部则以雾霭般的泛音收束，构筑悠长意境，令人回味。希纳斯特拉作为与皮亚佐拉齐名的阿根廷巨擘，在竖琴上有着里程碑式的技术革新：当晚竖琴家梅斯特通过敲击琴板模拟打击乐，指甲击弦与复杂踏板技术释放狂暴节奏，展现了其技术上的游刃有余和对作品的高度熟稔，彻底打破竖琴“天使乐器”的刻板形象。这种突破在返场曲中延续：戈德弗鲁瓦的《威尼斯狂欢节变奏曲》展示其炫技功底，而巴西名曲《Tico Tico》则以俏皮的拉丁节奏，与希纳斯特拉的拉美基因形成跨时空呼应。

整场演出的高光时刻来自下半场，格什温1928年创作的《一个美国人在巴黎》延续其将爵士植入古典框架的探索，指挥家景焕对于速度变化的精准把控将作品本身严整的结构感进行了恰到好处的呈现，每一次的速度变化乐团都无比熨帖、整齐一致地进行，这既考验指挥对作品结构与风格的深度挖掘，亦彰显乐团的高度默契。

乐曲中段小号充满节奏动感的“布鲁斯”独奏堪称全曲最深度的表达——滑音技巧与悠长气息精准描摹了在巴黎街头、咖啡馆的闲适感，同时以音色明暗变化暗藏主人公突如其来的乡愁与孤独。第一小提琴声部紧接相同的旋律以渐强推进情绪张力，句尾的渐弱处理将主人公内心的寂寥层层展开。

国交的演绎完美平衡了戏剧性与克制感。即便在激昂高潮处，乐团仍保持着格什温特有的轻巧气质，毫无用力过猛之弊。低音提琴与管乐低声部始终以松弛的律动托起声场，各声部的交叠搭建出的音乐织体使情绪在活力与深邃忧郁间自由切换。这种对风格尺度的纯熟把控，既彰显指挥家景焕的细腻处理，亦体现国交卓越的艺术修养——在激情与克制间找到平衡点，正是诠释格什温音乐的精髓所在。

《波吉与贝丝》作为格什温第三个创作阶段的成熟歌剧，已彻底放弃了早期的爵士“娱乐派”风格。作品伊始乐团在描绘小贩叫卖声的复杂重音中坚定的齐奏，即展现了指挥家景焕与国交对格什温不同时期风格的完美诠释，让听众瞬间切换至美国南方黑人社区的市井气息。全曲的亮点莫过于班卓琴演奏的《我一无所有》(I Got Plenty o' Nuttin')，特邀班卓琴演奏家施亮以其松弛的民族音色，与弦乐声部的拨奏交织，激发听众的身体律动。萨克斯声部摇曳的韵律、爵士节奏的弹性呼吸，令听众在不经剧情叙述的情况下，也能沉浸于格什温笔下那片既真实又富有诗意的查尔斯顿黑人世界，印证了格什温跨越古典与流行界限的永恒魅力。

两位作曲家以他们的创作证明：音乐里真正的民族性无需沦为对民俗的简单复制——格什温将黑人灵歌升华为歌剧史诗，希纳斯特拉将潘帕斯草原的鼓点转化为现代音乐引擎。这种既扎根土地又面向未来的探索，正呼应中国交响乐团的艺术使命：以国际化的音乐语言，让本土文化基因在世界舞台上焕发新生。